REFLEXIÓN PERSONAL

Trabajar con dicho tema fue muy útil y entretenido. Sirvió mucho para aprender acerca de los diferentes tipos de movimientos que se encontraban en esos siglos.

Realizar este blog me ayudó también a entender sobre las distintas técnicas que utilizaron los artistas en cada uno de los movimientos así como las diferencias entre unos y otros.

De todas las vanguardias que desarrollamos en clases y en el blog, la que me mas me gusto fue Arte Óptico. Me gustan los efectos que produce al verlos, como por ejemplo la profundidad y esa sensación de movimiento aunque no sea real. Además me gustan mucho los colores vivos y llamativos que utiliza, que es una de las características que lo diferencia de las demás vanguardias.

Utilizar los blogs y las tecnologías modernas es indiscutiblemente un punto a favor en esta experiencia. A pesar de que existieron ciertas dificultades en un principio, con atención y esfuerzo aprendí la manera correcta de manejar los sitios webs de esta categoría y las diferentes estrategias en cuanto a perfección del trabajo informático.

Reflexionando puedo decir que al realizar este trabajo pude apreciar y conocer cada movimiento artístico y además, desde mi visión y mis gustos, poder analizar y cuestionar a cada uno de ellos.

NEOEXPRESIONISMO

¿Cuándo?
Movimiento artístico que recupera modelos propios del expresionismo. Además sus fuentes de inspiración fueron muy variadas. No sólo toman elementos del Expresionismo sino de movimientos anteriores de signo contrario. De la mezcla de todo lograron crear un producto nuevo. Movimiento cuya principal característica es la heterogeneidad de planteamientos. Este aspecto es común a otros movimientos europeos contemporáneos como la Nueva Figuración francesa o la Transvanguardia en Italia.

Este movimiento surge en Alemania y Estados Unidos a finales de los años sesenta y principio de los setenta, pero adquiere su consolidación en la década posterior.

¿Qué?

Se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición.

Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana.

¿Cómo?

Características:

- Retorno a las imágenes de tipo expresionista.

- Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.

- Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.

- Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.

- Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra.

- Ejecución de trazos amplios.

- Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).

- Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.).

- Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).

¿Quiénes?

Padres del Neoexpresionismo alemán: Georg Baselitz (1938), Anselm Kiefer (1945), Markus Lüpertz (1941), A. R. Penck (Ralf Winkler; 1939), Jörg Immendorff (1945).

En Austria: S. Anzinger, E. Bohartsch, J. Kern, A. Klinkan, A. Mosbacher, O. Oberhuber, entre otros.

En España: Miquel Barceló (1957), Ferran García Sevilla (1949), José María Sicilia (1954), Rosa Nicolás, Chema Cobo, M.A. Campano, Navarro Baldeweg, Manuel Valdés, entre otros.

En Francia: Jean-Michel Alberola, Gérard Garouste 1946.

En Italia: Enzo Cucchi,, Mimmo Paladino, Nicola De Maria.

Anselm Kiefer. “El Alquimista ”.

Anselm Kiefer (Donaueschingen, 8 de marzo de 1945) es un pintor y escultor alemán, adscrito al Neoexpresionismo, una de las corrientes del arte postmoderno surgida en los años 80. Kiefer es uno de los artistas alemanes posteriores a la Segunda Guerra Mundial más conocidos, pero también de los más controvertidos. Famoso sobre todo por sus pinturas matéricas, en su obra Kiefer afronta el pasado y toca temas tabú de la historia reciente alemana, sobre todo del nazismo. Para pintar el cuadro Margarethe, por ejemplo, se inspiró en uno de los poemas más famosos de Paul Celan, Todesfuge, escrito a partir de su experiencia en los campos de concentración.

Inicialmente Kiefer basó su estilo en la obra de Georg Baselizt, trabajando gruesas capas de color con fuego o ácidos y combinándolas con vidrio, madera o elementos vegetales. En sus obras fusiona la pintura, la escultura y la fotografía, mediante técnicas como el collage o el assemblage, con una pincelada violenta y una gama cromática casi monocroma, mezclando materiales como alquitrán, plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza, polvo, flores y plantas.  También utiliza materiales de desecho, incluso armamento militar.

Fue uno de los más conocidos del movimiento, y más controvertidos también. Toca temas de guerras, principalmente del nazismo. Fusiona la pintura, la escultura, la fotografía, y utiliza técnicas como el collage o el assemblage. Pinturas matéricas, agrega a la obra elementos que se le ocurren (vidrio, madera, elementos vegetales, etc.)

Una de sus obras más importantes es “El Alquimista”. La subraya la solemnidad y la naturaleza trascendente de su contenido no sólo por sus cualidades táctiles, sino por la violencia de su pincelada y la opacidad que transmite una paleta de colores casi monocroma, mezclada con materiales poco ortodoxos y endebles como plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas reales, en contraste con la transparencia de su significado.

Fuentes:

• http://www.ecured.cu/index.php/Neoexpresionismo
• http://es.slideshare.net/AndiLicciardone/arte-neoexpresionista-europeo-y-americano

HIPERREALISMO

¿Cuándo?
Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.

Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.

Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

¿Qué?

Los temas del hiperrealismo van desde los retratos, el arte figurativo, bodegones, paisajes, paisajes urbanos y escenas narrativas. El estilo hiperrealista más reciente es mucho más literal que el Fotorealismo en el detalle exacto pictórico, con énfasis en los temas sociales, culturales o políticos. Esto también está en marcado contraste con el fotorealismo más nuevo concurrente con su evitación continua de anomalías fotográficas. Pintores hiperrealistas a la vez simulan y mejoran las imágenes fotográficas, correcciones precisas para producir ilusiones visuales ópticamente convincentes de la realidad, a menudo en un contexto social o cultural.

Algunos hiperrealistas han expuesto a los regímenes totalitarios y los gobiernos del tercer mundo militar a través de sus representaciones narrativas del legado de odio e intolerancia. Denis Peterson, Gottfried Helnwein y Maulan Latif representa las desviaciones políticas y culturales de la decadencia social en su labor. El trabajo de Peterson se centró en las diásporas, los genocidios y los refugiados. Helnwein desarrollado obra narrativa poco convencional que se centró en torno a las desviaciones del pasado, presente y futuro del Holocausto. La obra de Maulan es principalmente una crítica a la aparente indiferencia de la sociedad por los desvalidos, los necesitados y los marginados. Los temas provocativos incluyen imágenes enigmáticas de genocidios, sus trágicas consecuencias y las consecuencias ideológicas.  Temáticamente el hiperrealismo se ha vuelto un crítico social. Estas pinturas realistas son un comentario histórico sobre el maltrato grotesco de los seres humanos.

Una de las cosas que uno puede fácilmente notar en lo que al hiperrealismo se refiere es el hecho de que durante los últimos treinta años ha quedado relegado a un segundo plano, solapado por la pintura abstracta.

¿Cómo?

Uno de los rasgos identificativos de la pintura hiperrealista es el acabado limpio y cuidado de las obras, cuyos artistas se esfuerzan por reproducir de una forma exacta y meticulosa, tanto en lo que respecta a la forma, como a la luz y al color. Otro de los rasgos identificativos es el esfuerzo que hace el artista por no dejar rastro alguno del pincel, siendo este detalle, de hecho, uno de los aspectos más frecuentemente comentados en las exposiciones de pintura hiperrealista. Una tercera característica es la representación de los motivos en el plano detalle a gran escala, con lo que se consigue un cierto nivel de abstracción, teniendo en cuenta que se separa el motivo de su entorno.

Las Pinturas y esculturas hiperreales crean una solidez tangible y presencia física a través de la sutil iluminación y efectos de sombreado. Formas, formas y áreas cercanas a la vanguardia de la imagen visualmente aparecen más allá del plano frontal de la tela;. Y en el caso de las esculturas, los detalles con más claridad que en la naturaleza, imágenes hiperrealistas son típicamente de 10 a 20 veces el tamaño de la fuente de referencia fotográfica original, sin embargo, mantienen una resolución extremadamente alta en color, precisión y detalle. Muchas de las pinturas se consiguen con un aerógrafo, usando los acrílicos, aceites o una combinación de ambos. Esculturas realistas como las de Ron Mueck son en escala mucho más grandes que la vida y terminado en detalle increíblemente convincente a través del uso meticuloso de resinas de poliéster y moldes múltiples. Imágenes digitales como las de Bert Monroy parecen ser pinturas reales tomadas de fotografías, sin embargo, están completamente creadas en los ordenadores.

¿Quiénes?

Algunos de los artistas más memorables de esta época fueron Ralph Goings con “Duke Diner”, “Donut”; Don Eddy, Ron Mueck, entre otros.

Don Eddy. Obra sin título, “Escarabajo Volkswagen”.

Don Eddy, pintor estadounidense nacido en Long Beach, California, en 1944, es conocido principalmente como un pintor hiperrealista cuyos trabajos anteriores a los años 70 fueron un homenaje al coche y el paisaje urbano. En los años 80 sus obras estuvieron más bien orientadas a objetos, como cristalerías, cubiertos y juguetes colocados en una serie de estantes de cristal reflectante. Las obras del artista de la década pasada se han basado en los misterios de la vida a través de exploraciones de la naturaleza y el mundo que le rodea. A menudo compuesta de dípticos o polípticos (pinturas con varios paneles), que yuxtapone imágenes en una relación poética entre sí ", haciéndose eco de los ecosistemas", como el artista llama a estas conexiones de la estructura. Sus pinturas están impregnadas de una atmósfera de meditación, de calma y tranquilidad. Son como un "Cántico para un mundo pequeño", un poema sinfónico visual.

Una de sus obras más conocidas, sin título, esta hecha en 1971 en acrílico sobre lienzo.

Don Eddy es un pintor que se preocupa por la sociedad que esta desembocada en el consumo mismo, tratando de cubrir los huecos de la sociedad después de las guerras. Son carros perfectos e inmaculados. Casi como algo sagrado para la sociedad: los autos.

En ellos brillan los tonos metalizados y el más sofisticado toque urbano. Aquí nos presenta la gama de Escarabajos Volkswagen, todo un clásico, en fila. Infunden estos vehículos cierta complejidad: por un lado, cierto lujo de esos vibrantes colores, los reflejos al agua, la limpieza de sus carrocerías y por otro, la ordenación milimétrica de lo expuesto incorpora masificación, mercado, competencia.

Fuentes:

• http://www.artelista.com/hiperrealismo.html
• http://www.pacoyuste.com/es/Articulos_de_arte/el_hiperrealismo.htm
• http://www.justart-e.com/pinturas.html
• http://elrayoverde.blogia.com/2008/030601-don-eddy-1944-.php

OP ART

¿Cuándo?

El Op Art, también conocido como optical art, es un estilo de arte visual el cual se basa en ilusiones ópticas. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o moviemiento en la superficie del cuadro. Esta forma artística contemporánea surge a finales de la década de 1950, y alcanzó su auge en la década de 1960.

Es un arte desarrollado a partir del arte cinético en un período donde dominaron las guerras mundiales y se desarrollaron las armas nucleares. Donde dos nuevas potencias, EEUU contra la URSS, estuvieron en conflicto desde el fin de la segunda guerra mundial hasta el año 1991.

¿Qué?

El arte óptico rompe con tendencias inmediatamente anteriores en cuanto a la ausencia de emotividad en sus obras, ya que los artistas no intentan expresar ningún tipo de sensación o sentimiento. Sus obras son totalmente estáticas y la sensación de movimiento es producida puramente por efectos y no por movimiento real de las piezas o partes de la obra.

 El Op Art se nutre de principios científicos muy rigurosos con el fin de generar respuestas dinámicas en el ojo, sensación de movimiento y reacción de sorpresa en el espectador.

¿Cómo?

Este movimiento estudiaba los colores, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana y no se entrenaban en pintar objetos de la vida cotidiana como el Arte Pop.

Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Uso de luces y sombras para obtener un gran efecto de profundidad.

Utiliza también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.

Técnicas utilizadas: el efecto Rubin, que permite descubrir formas convexas a partir de figuras que comparten sus contornos; y el efecto Moaré, que es producido por la incorrecta intersección de líneas de puntos, círculos concéntricos o líneas junto a otras ilusiones como perspectivas de inestabilidad, vibración o confusión.

¿Quiénes?

Entre sus artistas mas famosos encontramos a Victor Vasarely con “Zebra”, “Triond”; y a Antonio Lizarazu Balué con "Arte Óptico autorreferente 005W", “Arte Óptico - Op Art A770W” entre otras.

Antonio Lizarazu Balué. “Arte Óptico autorreferente 005W”.

Antonio Lizarazu Balué nació en 1963 en Madrid, España. Artista Digital autodidacta.

La mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, etc. son un claro ejemplo del trabajo artístico de este autor.

En la obra gráfica presentada encontramos un despliegue alegórico del ente luminoso. La luz, descompuesta en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. La sucesiva disminución de la escala espacial remeda composiciones fractales, inherentes a la geometría de los objetos naturales, y los colorea con explosivas volutas de arco iris.

Dos son los elementos básicos de la obra gráfica presentada: el color y la simetría, y ambas son partes constituyentes del entorno natural que soporta a la descripción de la luz.

Con estos dos elementos el autor representa estados visuales de impresionante matiz onírico: esencias de pensamiento visual, secuencias caleidoscópicas donde la pureza y fuerza de los colores se aposenta en la geometría para ocupar el lienzo, como fluyendo. 

Fuentes:

• http://es.slideshare.net/rule_91/op-art-13918064
• https://es.wikipedia.org/wiki/Op-art
• http://es.slideshare.net/ARROBA/opart
• http://es.slideshare.net/castillodecristal/arte-ptico-15469570

POP ART

¿Cuándo?

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.

¿Qué?

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad.

¿Cómo?

-          Rechaza al expresionismo abstracto, a este movimiento artístico lo consideraban excesivamente intelectual y apartado de la realidad social.

-          Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo.

-          Se representan imágenes con características inexpresivas.

-          Su técnica se basa en el medio ambiente urbano de las grandes ciudades.

-          Intenta poner al arte en contacto con el mundo y la realidad objetual. 

¿Quiénes?

Entre sus más destacados artisitas podemos encontrar a Andy Warhol con retratos de Mick Jagger, Jacqueline Kennedy Onassis, Elizabeth Taylor o Marilyn Monroe; Roy Lichtenstein con “Good Morning, Darling”, “Now, mes petit pour la France”, “Whamm!”; Tom Wesselmann con la serie de “Gran desnudo americano”, etc. 

Andy Warhol. Retrato de Marilyn Monroe.

El artista Andy Warhol, fue un gran representante del Pop Art, nació en 1928, Warhol de nacionalidad Estadounidense, fue un gran influyente de este periodo estético.  

Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: "En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos". Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

Realizo el famoso retrato de la actriz Marilyn Monroe, un poco después de su muerte. Hizo la obra con la técnica de la serigrafía, es decir, uso el negativo de la fotografía y la llevo al lienzo.  Fue una sustitución de una imagen ya existente, utilizo un retrato de la actriz, en el que posaba de forma orante, para pintarlo sobre lienzo y utilizar diferentes técnicas de impresión. 

Las obras del artista, más particularmente la de Marilyn, se refiere a la cultura popular, que también inspira a Warhol para experimentar con la técnica de impresión de serigrafía, una técnica popular utilizada para la producción en masa. De este modo, él se aleja de la elitista tradición vanguardista.  La obra representa la deshumanización de la sociedad y ridiculiza la exaltación del  consumismo. En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los que consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe. 

La obra, es un retrato de Marilyn Monroe hecho con anterioridad, Andy Warhol realizo esta obra, un poco después de la muerte de la artista. En ella ,  se usa la técnica de serigrafía sobre lienzo en colores que representan el pop art, la forma en que Andy Warhol usa estos colores para transmitir sensaciones y  la repetición en serie es una característica que está muy ligada a su particular proceso creativo, utilizando técnicas de arte aplicado . Muestra el aspecto impersonal en que desemboca este sistema de trabajo, La cara de Marilyn retratada en serie resaltaba la superficialidad y banalidad de la fama, características representantes de esa época. Es un símbolo  de la sociedad de consumo sin significado, no esconde ningún sentido oculto, como tampoco hay denuncia. Warhol sólo reflejaba la apariencia de las cosas, no juzgaba, no opinaba, no tenía nada que decir.   En él se presenta a la actriz como un producto de la cultura de masas, empaquetada para el público como si fuera un artículo de consumo, un ejemplo perfecto del movimiento del Pop art norteamericano.

Fuentes:

• http://es.slideshare.net/johanleiva/pop-art-64373
• http://www.arteespana.com/artepop.htm
• http://chocolatesndcigarettes.blogspot.com.ar/2012/02/analisis-de-una-obra-de-arte.html

SURREALISMO

¿Cuándo?

El Surrealismo surgió  en 1924 en París, en contra de la razón para la expresión artística y literal.

A partir del estallido en la guerra de Marruecos (1925), el surrealismo se politiza; se producen entonces los primeros contactos con los comunistas.

El movimiento se haría internacional apareciendo grupos surrealistas en los Estados Unidos, Dinamarca, Londres, y hasta en Japón. Desde ese momento, se abrirá una disputa, entre los surrealistas que conciben el movimiento como arte, rechazando la adhesión al comunismo, y los que acompañan fielmente la idea del giro izquierdista.

Finalmente con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, algunos de ellos abandonan París y se trasladan a los Estados Unidos, donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de la posguerra es decir el expresionismo abstracto y Arte Pop.

¿Qué?

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.

¿Cómo?

Técnicas y métodos surrealistas:

- La fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos (tomadas del Dadaísmo).

- El Collage y el ensamblaje de objetos incongruentes (también heredadas del Dadaísmo, de personajes como Marcel Duchamp).

- El Forttage (dibujos logrados por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo).

- Técnica del “Cadáver Exquisito” o la pintura automática (varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver el trabajo del anterior, logrando imágenes interesantes e ilógicas).

- Automatismo (cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control).

- Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

- Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes.

- Preferencia por los títulos largos, equívocos, misteriosos.

- Decalcomanía.

- Grattage.

Imágenes de la pintura surrealista:

- Formas abstractas o figurativas simbólicas  que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

- Animación de lo inanimado

- Aislamiento de fragmentos anatómicos

- Elementos incongruentes

- Metamorfosis

- Máquinas fantásticas

- Relaciones entre desnudos y maquinaria

- Evocación del caos

- Representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías

-Realidades oníricas

- Perspectivas vacías

- Universos figurativos propios

¿Quiénes?

Entre sus artistas más representativos encontramos a Salvador Dalí con “La sangre es más dulce que la miel”, “La persistencia de la memoria”; René Magritte con “El tiempo detenido”, “La voz de los vientos”; Joan Miró con “El carnaval del arlequín”, “Personajes de noche”; entre otros.

Salvador Dalí. “La persistencia de la memoria”.

Salvador Dalí (Figueras, 11 de mayo de 1904 – 23 de enero de 1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

Esta obra representa un paisaje onírico, de grandes espacios dilatados, en el que los elementos se asocian de forma insólita. En primer plano a la izquierda, se observa un bloque probablemente de madera, que hace las funciones de una mesa, sobre el que se disponen dos relojes y un árbol incompleto, con una sola rama y sin hojas. El reloj más grande es blando, tiene una mosca sobre él y cae, escurriéndose por el borde de la mesa. El pequeño, parece un reloj de bolsillo cerrado y las hormigas se mueven sobre él.

Pende del árbol un tercer reloj, también blando. En el centro de la obra aparece una extraña figura que simula una cabeza blanda, cuyo cuello se diluye en la oscuridad. Llama la atención la enorme nariz, la especie de lengua que sale de ella y el ojo cerrado

con largas pestañas. La figura parece dormir sobre la arena. El artista ha colocado sobre esta figura un cuarto reloj, igualmente blando y que también parece derretirse o escurrirse.

Los elementos anteriormente descritos se ambientan en lo que parece una playa desierta, con el mar y una cala rodeada de acantilados al fondo. El cielo y el mar se confunden.

La técnica de Dalí es precisa. El dibujo es académico, de líneas puras. Los objetos se pintan con detalle, aunque no son reales, como si de un realismo casi fotográfico se tratara. El artista utiliza un color brillante y luminoso en el que contrastan con fuerza los tonos cálidos con los fríos. La luz desempeña un poderoso papel y contribuye a configurar una atmósfera onírica y delirante.

El cuadro parece quedar dividido en una parte (al fondo y a la izquierda) de enorme luminosidad y otra (primer plano a la derecha) de sombra.

Respecto al esquema compositivo, predomina la horizontalidad, sólo interrumpida por la verticalidad que marca el tronco del árbol y por las líneas curvas de los relojes y de la figura central, que parecen haber sido introducidas para proporcionar un lento movimiento a la quietud de esta playa.

El método empleado en la configuración de esta obra es lo que el propio autor denominó críticoparanoico, que significaba “un sistema espontáneo de conocimiento irracional basado en los fenómenos del delirio”. Con este método, Dalí suspende conscientemente el control de la razón para pintar y dar salida a sus sueños, sus obsesiones y sus delirios. 

Fuentes:

• http://www.arteespana.com/surrealismo.htm
• http://literaturadeotromundo.blogspot.com.ar/2009/11/contexto-politico-e-historico-del_09.html
• http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/08/04/caracteristicas-del-surrealismo/
• http://es.paperblog.com/la-persistencia-de-la-memoria-un-breve-analisis-de-la-obra-de-dali-81510/

DADAISMO

¿Cuándo?
El dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.

Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.

¿Qué?

Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

El movimiento Dadá, en su contenido o temática, se caracterizó por:

- Protesta continua contra las convenciones de su época.

- Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.

- Medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el escándalo, la provocación.

- Poesías ilógicas o de difícil comprensión (El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos).

- Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, etc.

- Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición.

- Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido, la construcción del consciente.

- Negativo y en contra el modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y abstraccionismo.

- Quieren volver a la infancia.

- Consideran más importante al acto creador que al producto creado.

¿Cómo?

En cuanto a la gráfica se caracterizó por:

- Renovación de la expresión mediante el empleo de materiales inusuales.

- Montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano presentándolos como objetos artísticos.

- Collage de diversos materiales (papeles, etiquetas, prospectos, diarios, telas, maderas, etc.).

- Fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y la provocación.

- Se desecharon formas y técnicas tradicionales, rechazando las corrientes del momento. Prevalecían las imágenes incomprensibles, donde se destacaron los collages de desechos y recortes de diarios.

¿Quiénes?

Entre los artistas más destacados podemos encontrar a Marcel Duchamp con “Botellero”, “La viuda alegre”, “Madera y metal”; Francis Picabia con “Pequeña soledad”, “Mujer con cerillos”, “Desnudo de espaldas”; Jean Arp con “El entierro del pájaro y la mariposa”, “Venus”.

Jean Arp. “El entierro del pájaro y la mariposa”.

Escultor, pintor y poeta francés. Nació en 1887 en Estrasburgo y en su juventud formó parte de varios movimientos de vanguardia del siglo XX. Estudió arte en Weimar y París entre 1905 y 1909, y después permaneció pintando en Suiza.

En 1912 se integró al grupo expresionista de Munich “El jinete azul”. Durante 1915 y 1916 la obra de Arp estuvo dedicada a dibujos y tapices abstractos. En 1916 fue uno de los fundadores del movimiento dadaísta en Zurich.

Realizó relieves, collages y bordados donde combina las técnicas del automatismo y las imágenes oníricas, desarrollando una iconografía muy personal de formas orgánicas que él mismo llamó escultura biomórfica.

Fuentes:

• http://gradomultimedia.com/05estetica/artistas/arp-jean.html
• http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/07/08/el-dadaismo-y-sus-caracteristicas/
• http://www.arteespana.com/dadaismo.htm

ARTE ABSTRACTO

¿Cuándo?
El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910, reaccionando contrariamente al realismo, en Alemania, Holanda y Rusia; y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.

El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados.

En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.

El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color.

También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

¿Qué?

En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.

¿Cómo?

Las características del arte abstracto son en general las estructuras y aspectos cromáticos sin preocuparse en representar de forma figurativa, las formas naturales. Siendo así, las obras llamadas abstractas, existen independiente del  mundo real, de los modelos reales y se preocupa solamente en crear sus propios significados por medio de un lenguaje visual expresivo, capaz de provocar muchas interpretaciones.

Vale recordar que esa cierta distancia que la abstracción tiene de la realidad no es una regla; ella muchas veces puede ser casi imperceptible, ligera o completa. Las líneas y colores son utilizados para crean composiciones originales, escapando de una perfecta representación.

Ese movimiento artístico se niega a imitar el mundo exterior y se basa solamente en  los pensamientos del artista.

Una obra de arte donde es alterada la forma y el color de manera evidente puede ser considerada abstracta. El arte figurativo y el realismo aunque sean movimientos artísticos contrarios a la abstracción, muchas veces tienen algunas de sus características parciales.

Lenguaje visual: representaciones dotadas de significado propio, sin la necesidad de la representación figurativa.

Garabatos: formas difusas, reforzadas con el color y con sentido simbólico.

Nuevos instrumentos: los símbolos y los signos.

Abstracción pura: Significado solamente cuando la obra está acabada, la cual es bella por sí misma, como objeto.

¿Quiénes?

Entre los artistas mas destacados encontramos a Wassily Kandinsky con “Amarillo, rojo y azul”, “Improvisación”, “Tensión en rojo”; Robert Delaunay con “Alegría de vivir”.

Wassily Kandinsky. “ Círculos concéntricos”.

Kandinsky fue un importante pintor ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Realizó estudios en derecho y de dibujo y pintura. Mostró interés por la cultura primitiva y el arte popular ruso, centrándose en el arte de Volodga, profuso en ornamentación. Estudia la obra de Rembrandt y Monet.

A los 30 años, Kandinsky se radica en Munich para estudiar pintura, abandonando la docencia académica. Asiste al taller de F. Stuck, donde conoce a Paul Klee. El color atrae a Kandinsky. En el comienzo tiene influencias del postmodernismo, fauvismo y el Jugendstil alemán.

Kandinsky pintó su primera acuarela abstracta en 1913 pero entre 1910 y 1914 crea simultáneamente obras figurativas y cuadros abstractos. Muchos otros pintores en esas fechas de 1910 eran considerados abstractos habiendo renunciado totalmente al arte figurativo, pero es Kandinsky el que está considerado fundador del Arte que iba a ser considerado una revolución.

El fue el maestro en la liberación del color y la fuerza de las formas geométricas que dan lugar al Arte Abstracto.

Posiblemente tiene mucho que ver el hecho de que dio un fundamento teórico a su práctica. Y así fue considerado también: un gran teórico del Arte Abstracto.

Fuentes:

• http://www.historiayarte.net/a-arte-abstracto.html
• http://www.swingalia.com/pintura/biografia-de-wassily-kandinsky.php
• http://www.frasesypensamientos.com.ar/historia/arte-abstracto.html

FUTURISMO

¿Cuándo?
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia manifestado en 1909.

Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades.

¿Qué?
Para llegar a una mentalidad moderna toman como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifican la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.

Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro.

Para poder utilizar sus técnicas pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

¿Cómo?

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.

Particularidades:

- Exaltación de la originalidad.

- Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.

- Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.

- Utilización de formas y colores para generar ritmos.

- Colores resplandecientes

- Transparencias

- Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).

¿Quiénes?

Entre sus mas memorables artistas podemos entontrar a Umberto Boccioni con “La ciudad”, “La fuerza de la calle”, “Dinamismo de un ciclista”; Giacomo Balla con “Muchacha corriendo en el balcón”, “Las manos del violinista”, “Dinamismo de un perro atado”; Luigi Russolo con “Casas + luces + cielo”, “Síntesis plástica del movimiento de una mujer”.

Umberto Boccioni. “Dinamismo de un ciclista”.

Pintor, escultor y teórico italiano, fue uno de los líderes del movimiento futurista. En 1910, escribió el Manifiesto de los pintores futuristas en el que hacía la revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su velocidad y su dinamismo. Aunque había tenido influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En su pintura, como puede verse en “Dinamismo de un ciclista”, expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo. En sus obras escultóricas, que combinan madera, hierro y cristal, Boccioni pretende ilustrar la interacción que se establece entre un objeto en movimiento y el espacio que lo rodea.  

Una de sus obras mas representativas fue “Dinamismo de un ciclista”. Es una de las primeras pinturas futuristas de exaltación de la idea del movimiento. La pintura futurista utilizó las teorías del color de los impresionistas y el principio de las visiones simultáneas de los cubistas para la representación de la forma y el espacio, para la expresión de ideas dinámicas. En este cuadro Boccioni (1913) deja bien patentes las tendencias cubistas y el conocimiento de las teorías del color. Pero más evidente aún es la utilización de ritmos dinámicos rectos y curvos para aglutinar los instantes cambiantes de un movimiento.

Los futuristas se opusieron sistemáticamente a la estática clasicista, al hieratismo, y a toda la extática inmovilidad de la pintura del pasado, afirmaron que el espacio ya no existe, y prodigaron un arte dinámico, capaz de presentar imprevistos grotescos desalma, sus chocantes violencias. Sin embargo, lo que justifica esa perentoria necesidad de dar cabida positiva al dinamismo mecánico, no es otra sino la voluntad de equiparar el nuevo arte con los avances de la ciencia moderna.

Son muy abundantes, incluso abrumadoras, las representaciones de ese motivo típico del futurismo: el dinamismo, que es su signo de progreso.

Fuentes:

• http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/06/19/caracteristicas-del-futurismo/
• http://www.arteespana.com/futurismo.htm
• http://contemporaneablogarte.blogspot.com.ar/2008/03/el-futurismo.html

CUBISMO

¿Cuándo?
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia.

El cubismo es un movimiento artístico que se manifestó sobre todo en la pintura, aunque también se dio en otras artes como la literatura o la escultura. El objetivo principal del cubismo era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos, intentando conseguir una cuarta dimensión.

Fue un movimiento revolucionario que se trata de una revolución dentro del sistema que, en definitiva pretende consolidar y generalizar. El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional.

¿Qué?

El Cubismo romperá con la idea tradicional del arte como representación de la naturaleza. Su planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero fracturadas por medio de la geometrización de la forma, de tal manera que se representaban las mismas formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética y simultánea de los objetos que serán representados como se sabe que son y no como parecen ser, de forma simultánea en múltiples planos. Pueden ser vistos desde diferentes puntos de vista, en vez de un único punto de vista fijo, acabando con la perspectiva tradicional.

Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada.

Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

¿Cómo?

Se distinguen dos etapas en el cubismo:

Cubismo analítico: Se desarrolla entre 1909 y 1912 donde la pintura es casi monocroma en gris y ocre. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. Fueron elaborando un nuevo lenguaje que analiza la realidad y la descompone en múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se multiplicaron, abandonando definitivamente la unidad del punto de vista de la perspectiva renacentista. Se introducen en la pintura los pasos, definidos como ligeras interrupciones de la línea del contorno. Los volúmenes grandes se fragmentan en volúmenes más pequeños. Entre las obras de esta fase del cubismo se encuentra el Retrato de Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de Chicago).

El segundo período del cubismo fue el Cubismo sintético: Braque, que había sido el primero en utilizar la caligrafía, y que más de una vez intentó imitar la madera o el mármol, fue quien inició esta última fase del cubismo al realizar papier collés, pegando directamente papeles decorados en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a incorporar material gráfico como páginas de diario y papeles pintados, técnica que se conoce como collage. En 1912 Picasso realizó su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), en el que añade al lienzo pasta de papel y hule. El color es más rico que en la fase anterior. Estas obras sintéticas son más simples, más sencillas de entender en cuanto a que son más figurativas, se ve claramente lo que se pretende representar. Los objetos ya no se reducen a volúmenes y planos expuestos en diversas perspectivas hasta ser irreconocibles, sino que se reducen a sus atributos esenciales, a aquello que los caracteriza de manera inequívoca sin lo cual no serían lo que son. Por ello, aunque reducido a lo esencial, queda claro en todo momento lo que son. Para representar los objetos tipo de manera objetiva y permanente, y no a través de la subjetividad del pincel, se recurre a lo que parece un ensamblaje. Los cuadros están formados por diversos materiales cotidianos que se pegaban o clavaban a la tela, como tiras de papel de tapicerías, periódico, partituras, naipes, cajetillas de cigarros o cajas de cerillas. El cuadro se construye con elementos diversos, tanto tradicionales (la pintura al óleo) como nuevos (como el papel de periódico). Los cafés y la música inspiraron estos bodegones.

¿Quiénes?

Algunos de sus más importantes autores fueron Pablo Picasso con "El Guernica" y "Las señoritas de Avignon", Georges Braque con "Instrumentos musicales" y "Bodegón con cartas" y Juan Gris con "Tres lámparas" o "El sifón".

Pablo Picasso. “El Guernica”.

Pablo Picasso (1881-1973) fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.

Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte en 1973 a los 91 años.

Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. El cuadro recrea el horror vivido en la ciudad vasca de Guernica, tras sufrir un bombardeo aéreo en plena guerra civil española.

El Guernica es un óleo sobre lienzo y está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.

Algunos de los símbolos más importantes que se encuentran son el guerrero muerto, un cuerpo completamente descuartizado lo que demuestra la cruel matanza, el toro, el árbol, la madre con el niño muerto y el caballo agonizante. También se aprecian cabezas cortadas, como símbolo de muerte de personas inocentes, con el llamativo rasgo de poseer ojos extremadamente abiertos, lo que puede ser por el asombro ante lo que estaba sucediendo y el sinsentido.

Fuentes:

• http://www.wikillerato.org/Cubismo.html
• http://www.arteespana.com/cubismo.htm
• http://enciclopedia.us.es/index.php/Cubismo

FAUVISMO

¿Cuándo?
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904 y 1907 aproximadamente.
Este movimiento no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.

¿Qué?
Sus temas preferidos eran bodegones, interiores, paisajes y retratos que pintaban de forma amable y bella ya que pretendían dar alegría y placer al espectador con sus lienzos plenos de color.
También pintaban naturalezas muertas, desnudos, expresando la alegría de vivir y los mundos ideales en los que los artistas querían vivir.

¿Cómo?
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.
Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad.

¿Quiénes?
Algunos de los artistas más importantes fueron Henri Mattise con "La habitación roja", "La alegria de vivir", “Lujo, calma y voluptuosidad”; André Derain con "Camino entre montañas" o "El puente de Londres"; Albert Marquet con "Quai de la Tournelle" "Quai Saint-Michelle", entre otros.

Henri Matisse. “La alegría de vivir”.

Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX, considerado junto con Pablo Picasso uno de los más grandes artistas del siglo pasado. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno. Durante su trayectoria supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas.
Entre las obras más representativas se encuentra “La alegría de vivir”, donde en un ambiente campestre, rebosante de erotismo, aparecen personajes masculinos y femeninos en distintas posturas: unos bailan, otros se abrazan, mientras que algunos conversan amigablemente.
Las posturas que adquieren los cuerpos rebosan de una gran sensualidad. Los ritmos curvilíneos, la simplificación de la línea, la importancia del color y la supresión de los detalles que aparecen en esta obra son rasgos preeminentes en la producción artística de Matisse. Para él todo cuadro había de estar regido por una "armonía", es decir un equilibrio entre los colores y las formas, las líneas y el cromatismo. La aplicación del color con pinceladas gruesas ayudaba a dar más expresividad sensual al ambiente.

Fuentes:

• http://www.wikillerato.org/Fauvismo.html
• http://www.arteespana.com/fauvismo.htm
• http://es.wikipedia.org/wiki/Henri_Matisse